Las Vanguardias. Fundamentos del Arte II

Tema 3. Fundamentos del Arte II
Cuaderno 3. LAS VANGUARDIAS

0. Portada.
1. Antecedentes: Manet y Corot
2. La pintura impresionista. Monet, Pisarro, Sisley, Morisot, Mary Cassatt.
3. La escultura: Rodin (viene del bloque II)
4. La escultura española: Mariano Benlliure (viene del bloque II)
5. El Postimpresionismo: Paul Cezanne y Vicent Van Gogh
6. Arte "Nabis": Pierre Bonnard y el Fauvismo: Matisse.
7. El cartel: Toulouse-Lautrec, Jules Cheret, Alfons Mucha, Leonetto Capiello.
8. El Cubismo: Juan Gris, Georges Braque.
9. Pablo Picasso.

1. Antecedentes: Manet y Corot

El siglo XIX, en cuanto a pintura está impactado por la aparición de la fotografía, que comienza a popularizarse sobre 1840. Los pintores comienzan a desvincularse de la tradición pictórica. Interesan mucho las teorías sobre el color; en especial la relación entre los colores complementarios, que son los situados enfrente en la rueda del círculo cromático.

Como antecedentes destacan, por un lado la influencia de la pintura de Delacroix, por el uso atrevido del color, y su búsqueda más allá de los colores terrosos. Por otro lado la influencia de  Edouard Manet, y finalmente Camila Corot, 1796-1875,  pintor francés que cultivó tanto el retrato como el género del paisaje en el que destacó especialmente, con influencia en el impresionismo en su Escuela de Barbizon.

La influencia de Corot fue decisiva en los primeros pasos de Monet, Renoir y Berthe Morisot, así como en toda la obra de Camille Pissarro, aunque no vio con simpatía al impresionismo como grupo, debido a la rebeldía antiinstitucional de sus jóvenes colegas.

Corot aunó la herencia clásica y romántica en el paisaje, sumando a la solidez compositiva de la tradición la frescura de la ejecución al aire libre, la paleta clara y el sentido de lo fragmentario. Sin él, quizás no hubiera sido posible el valor espacial y constructivo que, años después, Cézanne le daría a la pincelada impresionista, poniendo con ello el primer peldaño de la historia de la pintura moderna.

De acuerdo con lo que manifestó Monet, la obra de Corot, junto con la de Boudin y Jongkind, está en el origen del impresionismo.

Y es que puede considerarse que Camille Corot es el precedente más claro de los impresionistas, ya que fue el primero que le dio carta de naturaleza a la pintura al aire libre. La revolución impresionista radicaba precisamente en la fidelidad a la sensación óptica obtenida ante la naturaleza en determinadas condiciones de atmosféricas y de luz. Corot fue el primer pintor que expresó esa sensación en sus cuadros.

Obras: Mujer con una perla, El estanque de Ville-d'Avray, El castillo de Sant'Angelo y el Tíber, Roma, etc.

El estanque de Ville-d'Avray, Museo Nacional de Bellas Artes, Argentina. De Camille Corot - WMAR, 9 de junio de 2015Este archivo, parte de la Colección del Museo Nacional de Bellas Artes, ha sido publicado en Wikimedia Commons gracias a una colaboración entre el Museo Nacional de Bellas Artes y Wikimedia Argentina., Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=40852995

Escuela de Barbizon es el conjunto de pintores paisajistas, en un principio franceses, que entre 1830 y 1870 frecuentaron el entorno geográfico del bosque de Fontainebleau, llegándose a instalar –temporalmente muchos y de forma definitiva algunos– en el pueblo de Barbizon y sus alrededores. Están encuadrados dentro del Realismo pictórico francés, surgido como reacción al Romanticismo de Gericault o Delacroix.1​ Se considera su inspirador a Théodore Rousseau. Mantienen un estilo realista, pero de entonación ligeramente romántica, que se caracteriza por su especialización casi en exclusiva en el paisaje y su estudio directo del natural. Esto influirá en el resto de la pintura francesa del siglo XIX, en especial en el impresionismo. Usualmente tomarán sus apuntes al aire libre para realizar sus obras definitivas en sus estudios. Renunciaron a la estampa pintoresca de la vida campestre y se lanzaron a analizar con ojo crítico la naturaleza y su representación. Esta observación de lo natural produce efectos sentimentales en el alma del pintor, por lo que sus paisajes adquieren una calidad dramática bastante perceptible. (fuente: https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_Barbizon)

Los Impresionistas, en la década de 1870,  buscan transparencia y color en las sombras. Para ello evitan oscurecer los colores con el color negro. En vez de esto usan colores complementarios para resaltar el contraste de las zonas sombreadas, reservando los colores fríos para estas zonas, y los colores cálidos para las zonas luminosas (en general).  Además, los impresionistas llevan a su extremo en la praxis el manual de trabajo de Barbizon, es decir, no bastaba con bocetar y luego acabar la obra en el estudio, sino que era necesario pintar todo el cuadro en «plein air» (al aire libre

Los impresionistas yuxtaponen los colores en el lienzo, en lugar de mezclarlos en la paleta, para conseguir un efecto de vibración óptica, que da vida a sus pinturas.
Dibuja tu propio círculo cromático.

Fuente: De Goethe, via Prof. Dr. Hans Irtel - Theory of Colours, copy online at Universität Mannheim, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=3379107

 

 

Eduard Manet, 1832-1883. Pintor y grabador francés, reconocido por la influencia que ejerció sobre los iniciadores del impresionismo.

En agosto de 1865 emprendió un viaje por España, organizado por su amigo Zacharie Astruc, en el que descubrió la pintura barroca española, en particular a Diego Velázquez, que tendrá una enorme influencia en su obra. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet; aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes, prefería ofrecer sus obras al salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.

De todos los artistas de su tiempo, Manet fue quizás el más contradictorio. Aunque se le consideraba un personaje controvertido y rebelde, Manet se pasó casi toda su vida buscando la fama y la fortuna y, lo que quizás sea más importante, un pintor que ahora es aceptado como uno de los grandes, solía mostrarse inseguro de su dirección artística y profundamente herido por las críticas hacia su obra. Tuvo que esperar al final de su vida para conseguir el éxito que su talento merecía. Pese a que se le considera uno de los padres del Impresionismo, nunca fue un impresionista en el sentido estricto de la palabra. Por ejemplo, jamás expuso con el grupo y nunca dejó de acudir a los Salones oficiales, aunque le rechazaran. Afirmaba que «no tenía intención de acabar con los viejos métodos de pintura ni de crear otros nuevos». Sus objetivos no eran compatibles con los de los impresionistas, por mucho que se respetaran mutuamente.

Uno de sus cuadros más escandalosos, rechazado en el Salón de 1863 y expuesto en el de los Rechazados, es Almuerzo sobre la hierba.

Otras obras son: El bar del Folies Bergère, El pífano, La ejecución del emperador Maximiliano, Olympia, etc.

2. La pintura impresionista. Monet, Pisarro, Sisley, Morisot, Mary Cassalt.

Claude Monet, 1840-1926, fue un pintor francés, uno de los creadores del impresionismo. El término impresionismo deriva del título de su obra Impresión, sol naciente (1872). Sus primeras obras, hasta la mitad de la década de 1860, son de estilo realista. Monet logró exponer algunas en el Salón de París. A partir del final de la década de 1860 comenzó a pintar obras impresionistas. Esta desviación del gusto de la época, que era marcado por las academias de arte, empeoró su situación económica a la vez que afianzó su decisión de continuar en ese azaroso camino.

En la década de 1870 formó parte de las exposiciones impresionistas en las cuales también participaron Pierre-Auguste Renoir y Edgar Degas. Su obra Impresión, sol naciente formó parte del Salon des Refusés de 1874. Su carrera fue impulsada por el marchante Paul Durand-Ruel, pero a pesar de esto su situación financiera permaneció siendo difícil hasta mediados de la década de 1890. En esta época, Monet desarrolló el concepto de las «series», en las que un motivo es pintado repetidas veces con distinta iluminación. Al mismo tiempo comenzó a trabajar en el famoso jardín de su casa en Giverny con estanques de nenúfares que luego utilizó como motivo para sus pinturas.

La primera exposición del grupo se realizó en 1874 en el atelier del fotógrafo Nadar en el Boulevard des Capucines de París. Inspirado por una de las obras expuestas, Impresión, sol naciente, que Monet había pintado en 1872 en El Havre junto con otras obras, el crítico de arte Leroy, de la revista Le Charivari, la llamó «la exposición de los impresionistas». Así fue como nació el término impresionismo, que en un principio fue usado a manera de burla por los críticos y que luego fue utilizado por los mismos artistas, basándose en la pintura de Monet.

Impresión, sol naciente, 1872. Museo Marmottan Monet, París  De Claude Monet - art database, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=23750619

 

Claude Monet, cuadros, frases y fotos.

Excepcional documento cinematográfico de Claude Monet pintando sus nenúfares en 1915

Berthe Morisot (1841-1895)
Pintora impresionista francesa.
Discípula de Corot, desde que tiene 20 años. La introduce en los círculos artísticos.
Adopta una postura artística muy rompedora que la vincula al grupo de artistas impresionistas.
Participa en el Salón de París desde 1864 hasta 1874
Conoce a Éduard Manet y lo convence para que pinte al aire libre, además de atraerlo hacia los impresionistas.
Se casa con Eugéne Manet, hermano de Éduard en 1874.
Fue la modelo de Éduard Manet en muchas de sus obras, siendo muy conocida "El Balcón".

3. La escultura: Rodin (Francia, 1840-1917).

Fuente: https://historia-arte.com/artistas/auguste-rodin

El escultor más famoso de Francia, Auguste Rodin fue contemporáneo del Impresionismo y es considerado «el padre de la escultura moderna». Con él se acabó eso de buscar la mimesis y creó un nuevo concepto escultórico en lo referente al monumento y la escultura pública. Fue criticado en su época por lo «inacabado» de muchas de sus obras, pero ese modelado espontáneo y expresivo será, como sabemos, el futuro.

De formación neoclásica, Rodin bebió de artistas como Donatello o Miguel Ángel pero tenía un espíritu experimentador y audaz, en el que destaca una radical innovación (algo que lo enmarca de alguna forma en el movimiento romántico), por lo que vivió siempre envuelto en grandes polémicas en torno a su obra.

Su obra abarca toda la gama de posibilidades plásticas, de lo espontáneo al patetismo heroico. Para él, el caos podía ser una herramienta eficaz para plasmar sus intenciones. También estuvo vinculado al impresionismo, tanto por amistades como por el uso de la luz en sus obras.

Lo que quedó claro es que para el escultor, un artista no debía ser un esclavo del modelo. En su estudio-taller llamaba la atención ver a modelos desnudos sin posar y a Rodin observándolos en su libertad de movimientos y plasmándolos en su totalidad. Quizás por ello su obra sea tan poco rígida, tan viva y llena de matices.

Rodin trabajaba en yeso para criticar ese elitista circuito del arte y a su única escultura oficial: en mármol (blanco igual que el yeso, pero mucho más costoso). Su escultura era rebelde, joven, novedosa, irreverente…

Finalmente, sería injusto hablar de Rodin sin hacerlo de su amante y también escultora Camille Claudel, otra artista fundamental de la época eclipsada por el genio.

El Pensador, 1882

Puedes ver obra de Rodin y de Camille Claudet en este enlace al Museo Rodin.

4. La escultura española: Mariano Benlliure (Valencia, 1862-Madrid, 1947)

Escultor español. Vocal del Real Patronato del Museo del Prado.

Transcurrió su infancia en Valencia y en 1874 se trasladó con su familia a Madrid.

Trabaja en varios talleres, y viajó a Roma en 1881 para completar su formación.

Allí estudia la estatuaria clásica, renacentista y barroca, y de la escultura de la Italia de su tiempo.

En 1895, año en que abrió estudio en Madrid.

Su obra es sumamente extensa y fecunda, y abarca los diferentes géneros, tipologías y técnicas. Tan sólo en escultura monumental realizó más de cincuenta obras destinadas a las principales ciudades españolas e hispanas. Tenía una extraordinaria facilidad para modelar y cincelar, y un sentido personal de la combinación de los materiales, generalmente mármol y bronce, consiguiendo un exquisito acabado de las superficies.

Mediante el juego del claroscuro y un modelado pictoricista imprimía a sus obras cualidades casi táctiles, fuertemente expresivas.

Obras:

• Goya, bronce, 57 x 40 cm, 1902 
• La reina Victoria Eugenia de Battenberg a caballo, bronce, 117 x 44 cm, 1922
• Alfonso XIII, rey de España, bronce, 102 x 75 cm, 1919
• Canto de Amor, mármol, 126 x 60 cm, 1898 

Puedes encontrar contenido, y un buen banco de imágenes de Mariano Benlliure en este enlace a la web del Museo del Prado, de donde proceden las siguientes imágenes.

Goya, bronce, 57 x 40 cm, 1902

General Martínez Campos, 1907. Bronce. Parque del Retiro, Madrid

Canto de Amor

1898. Mármol, 126 x 60 cm

5. El Postimpresionismo: Paul Cezanne y Vicent Van Gogh

6. Arte "Nabis": Pierre Bonnard y el Fauvismo: Matisse.
Nabis significa "profetas" en hebreo y se trata de un grupo de pintores franceses activos en París en la década de 1890.
Siguen los consejos de Paul Gaugin respecto a extremar el color en las obras.
Están influenciados por el Simbolismo y el Postimprensionismo.

Interés por lo exótico, oriental, y por temas intimistas.
Usan el color como revelación mística esencial.
Liderado por Paul Serusier  cuenta con los pintores Odilon Redon (simbolista)  Pierre Bonnard, y otros. Era un conjunto compuesto, principalmente, por artistas jóvenes del ambiente artístico de París. No tuvo mayor difusión en el resto de Europa.

Artistas: Maurice Denis, Eduarda Vuillard, Pierre Bonnard.

Pierre Bonnard (1867-1943)

Pintor, ilustrador y litógrafo francés que dedicó su talento a la publicidad y a la producción artística.

Máximo representante de los Nabis.

Pinta a su esposa en interiores.

Interés por el color.

Pincelada de efecto vibrante.

Poco interés por el dibujo. La producción tardía de Bonnard se considera precursora de la pintura abstracta.

Pierre Bonnard, "Desnudo a contraluz", 1908.

Fauvismo

El nombre surge del Salón de Otoño de 1905, por el crítico Louis Vauxcelles: "...un Donatello entre las fieras..."

Usan color puro a partir de un tema real o imaginario.

Liberación del color respecto al dibujo.

Exaltación de los contrastes cromáticos usando colores complementarios yuxtapuestos y planos.

Actitud rebelde y transgresora.

Artistas destacados del Fauvismo: Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954), Maurice Vlaminckb(1876-1958).

Henri Matisse (1869-1954)

Líder de los faustas.

Aplica los colores como si fuesen tonos musicales, creando armonías visuales.

Comenzó pintando con pinceladas enérgicas, que se combinan con manchas amplias de color.

Evoluciona a pinturas de grandes planos de color intenso.

Durante su trayectoria, supo conjugar en sus obras la influencia de artistas como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas persas, el arte africano o las telas moriscas. 

Su última etapa domina lo decorativos, empleando papeles de color recortados de figuras femeninas io motivos vegetales. 

“La línea verde (retrato de Madame Matisse)”, 1905 (Foto: Wikipedia [dominio público])

“La Alegría de vivir”, 1905/1906 (Foto: Wikipedia)

“La danza (segunda versión)”, 1909/1910 (Foto: Wikipedia [dominio público])

"Mujer con sombrero", 1905 

https://niood.es/las-10-obras-de-arte-mas-famosas-de-henri-matisse/

7. El cartel: Toulouse-Lautrec, Jules Cheret, Alfons Mucha, Leonetto Capiello.
El cartel es un un soporte con un mensaje visual (texto y/o imágenes) que sirve de anuncio para promocionar, persuadir y difundir información sobre un producto, un evento o una ideología.
El cartel progresa con los avances en la técnica de la litografía (grabado en piedra) de 1798, que permiten el uso del color y la obra seriada, lo que posibilita su difusión.
Se desarrolla en Francia durante el siglo XIX.
Destacaron  Jules Cheret, Toulouse Lautrec, y Alfonsf Mucha.
EL cartel se ve impulsado por la demanda de la industralización para hacer publicidad de los objetos de consumo.

Jules Chéret (1836-1932)
Pionero del cartel. Creador del cartel moderno.
Sus carteles anuncian teatros o cabarets (Folies Bergere, Teatro de la Ópera, Mouline Rouge).
Promociona perfumes, licores, cosméticos y medicinas.
Colores planos, dibujo inspirado en Tiépolo.
Empezó a usar varias piedras litográficas. Primero con los colores negro y rojo, y luego con otros colores.
Formato vertical para enmarcar la figura humana, y punto de vista bajo, como quien ve desde el auditorio de un teatro.

ALfons Mucha (1860-1939)
Artista Checo que se afincó en París.
Ejemplo de artista modernista o Art Nouveau.
Uno de los padres del cartelismo, de estilo decorativo y sensual.
Protagonizan su obra mujeres rodeadas de flores con atuendos neoclásicos.
Mucha produjo una gran cantidad de pinturas, pósteres, avisos e ilustraciones así como diseños para joyería, alfombras, empapelados y decorados teatrales (litografías) en lo que llegó a conocerse como el estilo Art Nouveau.
Cuando Checoslovaquia obtuvo la independencia, tras la Primera Guerra Mundial, Mucha diseñó sellos postales, billetes de banco y otros documentos gubernamentales para la nueva nación. Pasó muchos años trabajando en lo que consideró su obra maestra, La Épica Eslava (Slovanská epopej), una serie de enormes pinturas que describen la historia de los pueblos eslavos, que fueron donadas a la ciudad de Praga en 1928.

Una de las obras de Mucha para la Épica Eslava: The Apotheosis of the Slavs

https://es.wikipedia.org/wiki/La_Épica_Eslava

Toulouse-Lautrec (1864-1901)
Digujante e ilustrador muy popular por sus carteles.
La economía de su familia era acomodada, aunque sufrió una enfermedad que le impedió crecer más de 1,52 m.
Cronista de la vida nocturna parisina en cabarets, circos, bares y burdeles.
Se le enmarca en el movimiento postimpresionista, aunque su estilo se puede considerar única.
Coleccionó objetos de arte japonés y utilizó tinta y pinceles japoneses.
Tiene un expresionismo en el gesto muy influyente en el diseño gráfico.
Destaca su capacidad para captar el movimiento.
Tiene gran originalidad en sus encuadres y composiciones en diagonal.
En 1884 Toulouse-Lautrec fue a vivir al barrio de Montmartre, donde tuvo vecinos como Degas. La fascinación que sentía por los locales de diversión nocturnos le llevó a frecuentarlos con asiduidad y hacerse cliente habitual de algunos de ellos como el Salón de la Rue des Moulins, el Moulin de la Galette, el Moulin Rouge, Le Chat Noir o el Folies Bergère.2​ Todo lo relacionado con este mundo, incluida la prostitución, constituyó uno de los temas principales en su obra. En sus obras de los bajos fondos de París pintaba a los actores, bailarines, burgueses y prostitutas. A estas las pintaba en su vida cotidiana: mientras se cambiaban, cuando acababan cada servicio o cuando esperaban una inspección médica.

Leonetto Cappiello (1875-1942).
Publicista e ilustrados y caricaturista italiano.
Estilo desenfadado y humorista.
Figuras con mucho movimiento.
Diseñador cartelista italiano, perteneciente al llamado estilo Art Decó, se caracterizó por su estilo “cheretiano”, que renació con el movimiento modernista Italiano, el fugaz Liberty. “Uno de los cartelistas mas puros de entre los que intervinieron en el diseño de carteles aliados durante la primera guerra mundial”, según Enric Satué.

 
9. PABLO PICASSO. Málaga 1881-1973
Esquema de las etapas de Picasso

Uno de los artistas más influyentes del siglo XX. Destaca por su aportación al Cubismo.
Artista prolífico que cultivó la pintura, el grabado, el dibujo, la ilustración de libros, la escultura, la cerámica y el vestuario de teatro.
Etapas de Picasso:

1. Comienzos: Academicismo juvenil.
2.  Época azul, 1901-1904. Cierto expresionismo simbolista. Usa tonos azules. Pinta personas desdichadas. Se había suicidado su amigo Carlos Casagemas en 1901, que se había ido con él a París desde España en 1900. Obra destacada "La Vida".
3. Época Rosa, 1905-1906. Tonos rosados, temas más líricos, de circo y de artistas.
4. Protocubismo, 1906-1907. "Las Señoritas de Avignón". Influencias africanas.
5. Cubismo analítico y posteriormente cubismo sintético, 1908-1916).
6. Periodo clásico o grecorromano, 1917-1927. Vuelve a la figura realista. Pinte desnudos clásicos y retratos.
7. Periodo surrealista, 1928-1932. Formas distorsionadas de monstruos o seres mitológicos.
8. Cubismo más expresionista, 1937. "El Guernica".
9. Periodo de Vallauris. Se dedica a la escultura y a la cerámica.

La Vida. Picasso, 1903

El viejo guitarrista ciego - Picasso (1903)