TEMA 6. Art Déco. Felices años 20

Fundamentos del Arte II.
ART DÉCO.

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Autorretrato en el Bugatti verde, Lempicka, 1929

Cuaderno 6. LOS FELICES AÑOS VEINTE. EL ART DÉCO.

1-Contexto histórico del periodo de entreguerras.

2- Características generales del Art Decó.

3. Arquitectura: el edificio Chrysler y el Empire State Building
4- La pintura de Tamara de Lempicka.
5- Cartier. El diseño en joyería.
6- Coco Chanel. EL diseño en moda.
7- Escultura: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi.

1- Contexto histórico del periodo de entreguerras.

• Los felices años 20 o años locos corresponden al periodo de prosperidad económica en Estados Unidos desde 1920 hasta 1929.
• Crecimiento de la economía a costa de una burbuja especulativa que finalizó el 24 de octubre de 1929, conocido como el Jueves Negro,  el Crak del 29, y Gran Depresión.
• EEUU, que había exportado armas y otros productos a los países europeos que participaron en la Primera Guerra Mundial, se benefició de las deudas que debían devolver.
• EEUU se encontró un exceso de demanda, lo que le benefició con ingresos extraordinarios.
• EEUU fue incorporando innovación técnica a su industria, lo que abarató costes, aumentó su producción, y aumentó sus beneficios. Se innovó con la cadena de montaje (empezando por la fábrica de vehículos Ford).
• Se popularizaron el uso del teléfono, la radio, el automóvil y los electrodomésticos.
• Se favoreció la venta a plazos, lo que estimuló una oleada consumista que endeudó a los consumidores por encima de sus posibilidades.
• Hubo demanda en la construcción de rascacielos, y la tasa de desempleados en EEUU quedó muy baja.
• Fueron años de bienestar y optimismo de cara al futuro.

2- Características generales del Art Déco.

• Temporalidad. El Art Déco domina desde 1920 hasta 1939, aunque su influencia seguirá hasta 1950.
• Influyó en la arquitectura, pintura y escultura, además de las artes decorativas: diseño de interior, diseño gráfico e industrial, moda. También influyó en la cinematografía.
• Origen del término "Déco". Déco es un apócope de la palabra francesa "décoratif". En francés suele suprimirse la tilde "Deco". En castellano la RAE lo ha normalizado como "Déco". En 1925 hubo una exposición en París de este estilo, y se llamaban "modernos". Más tarde, en 1966, hubo otra exposición, retrospectiva en este caso, que se denominó "Les Années 25", en el Musée des Arts Décoratifs, y ahí es donde se acuñó el término "Art Déco".
• Estilo burgués. El Art Déco no nace con intenciones filosóficas o políticas, sino que tiene una intencionalidad casi puramente decorativa, por lo que se considera un arte de estilo burgués.
• Es fiel a su época y deja ver una noción futurista de la Revolución Industrial.
• Evolucionó desde el Modernismo centrándose en el progreso, la maquinaria, la ciudad y lo urbano. Valora lo funcional y elegante.
• Carácter opulento frente a la austeridad forzada por la Primera Guerra Mundial, con un marcado deseo de "escapismo".
• Comienza a popularizarse el Jazz, como gusto musical.
• Tiene influencias del Modernismo, Fovismo, Constructivismo, Cubismo, Futurismo, y del estilo racionalista de la Bauhaus.
• Gusto por el arte egipcio, fruto de recientes descubrimientos arqueológicos.
• Geometrización de las formas. Gusto por las líneas aerodinámicas, bloques cubistas, la simetría, las formas fraccionadas y cristalinas, trapezoides, zigzags,.
• Materiales: aluminio, acero inoxidable, laca (acabado de la madera), madera embutida, piel de tiburón y piel de cebra.
• Tipografía palo seco o sans sherif.
• Gran influencia en los buques como el trasatlántico SS Normandie (1935), Île de France, Queen Mary y el Nieuw Amsterdam.

3. Arquitectura: el edificio Chrysler y el Empire State Building

Edificio Chrysler (1928-1930). Su arquitecto fue William Van Alen. Con una altura 282 m fue el edificio más alto del mundo hasta que le superó el Empire State en 1931. Simplificación de la forma, materiales industriales como acero y revestimiento metálico. Deseo de mostrar los progresos de la edad moderna, que simbolizan muy bien los rascacielos. Gran boom inmobiliario en esa época en Nueva York. Ornamentos como gárgolas de inspiración gótica, águilas, y piñas de 3 metros de altura. 

Empire State building (1929-1931) Arquitecto William Lamb. Altura de 443,5 m  incluyendo la antena de 62 metros, y 102 pisos. Fue el edificio más alto del mundo hasta la construcción de las Torres Gemelas del World Trade Center en 1977 (que fueron destruidas en el atentado de 2001). Primer edificio con más de 100 pisos. Como símbolo de Nueva York fue el edificio al que se encaramó el gran simio de la película King-Kong en 1933, con nuevas versiones en 1976 y 2005.

Escena de King-Kong en el Empire State Building, en la película de 2005, dirigida por Peter Jackson

4- La pintura de Tamara de Lempicka.

Tamara de Lempicka o Tamara Lempicka (Polonia 1898, Polonia – México 1980) fue una pintora polaca que alcanzó la fama en Europa, sobre todo en Francia y Estados Unidos con sus retratos y desnudos de gusto art déco.

Influenciada por el cubismo, Lempicka es considerada una de las mayores representantes del estilo art déco en dos continentes. Fue la artista favorita de muchas estrellas de Hollywood y se la denominó "la baronesa con pincel".

Su producción se centra en retratos femeninos y en desnudos de ambos sexos. Siguiendo la tendencia de la pintura art decó, pintaba mujeres etéreas, con ropajes flotantes y dedos largos, si bien dan una impresión férrea y escultural por la pincelada pulida y los marcados contrastes de luces y sombras. Sus influencias principales son Botticelli, Bronzino, el retrato manierista en general, Ingres, y el Cubismo, pero sin llegar al arte abstracto. Curiosamente, Lempicka empleaba este eclecticismo o fusión de estilos antiguos para representar temas actuales, donde las figuras visten ropajes y peinados de moda.

Después de mediados de la década de 1930, cuando sus retratos art decó pasaron de moda y "una grave crisis mística, combinada con una profunda depresión durante una recesión económica, provocó un cambio radical en su trabajo", comenzó a pintar menos tema frívolos en el mismo estilo. Pintó varias Madonnas y mujeres con turbante inspiradas en pinturas renacentistas, así como temas tristes como La Madre Superiora (1935), una imagen de una monja con una lágrima rodando por su mejilla y Escape (1940), que representa a refugiados.

Lempicka presentó elementos del surrealismo en pinturas como Mano Surrealista (1947) y en algunos de sus bodegones, como La llave (1946). Entre 1953 y principios de la década de 1960, Lempicka pintó abstracciones que tienen una similitud estilística con el purismo de la década de 1920. 

Obra: Autorretrato en un Bugatti verde” (1929), Grupo de cuatro desnudos (1925), La bella Rafaela (1927),  Adán y Eva (1922) Retrato del Gran Duque Gabriel Kostantinovic (1927), Muchacha con guantes (1930).

 

Muchacha con guantes, Lempicka, 1930

5- Cartier. EL diseño en joyería.
El creador de este imperio, Louis-Francois Cartier, tuvo el don de convertir las joyas en obras de arte y los objetos comunes en artículos de lujo. Louis-Francois abrió su taller-jollería en 1847. Era el París del segundo Imperio, y del taller de Cartier salen piezas que se adaptan a todos los revivals históricos, desde el neorenacentista al neogótico, siguiendo las modas de la época.
La saga Cartier continúa con su hijo Alfred, quien poco antes de morir, confió a sus tres hijos -Louis, Pierre y Jacques- la expansión del negocio en el mundo: Louis (París), Pierre (Nueva York) y Jacques (Londres).

Características de La joyería Art Deco.

• Diseños geométricos, diversas combinaciones de color y motivos abstractos.
• En 1922, la apertura de la tumba de Tutankamon, inspiró un revival de lo egipcio.
• También son comunes las influencias del arte maya.
• Las piedras preciosas más populares del período Art Deco fueron los diamantes
• Rubíes, zafiros, esmeraldas, coral, marfil, jade, madreperla y cristal de cuarzo fueron empleadas como acentos de color junto a los diamantes o en solitario.
• El metal preferido fue el platino.

La corporación lleva el nombre de la familia de joyeros Cartier —cuyo control finalizó en 1964—, quienes fueron conocidos por crear diversas piezas famosas, incluyendo el collar de diamantes «Bestiary» —hecho en los años 1920 para el marajá indio Yadavindra Singh​ y el primer reloj de pulsera práctico, el «Santos», en 1904. Las instalaciones centrales de Cartier S.A. se ubican en París. 

En 1911 Louis Cartier (nieto) creó el primer reloj de pulsera para hombre con correa de piel, para que su amigo el aviador brasileño Alberto Santos-Dumont pudiera ver la hora sin dejar de maniobrar su aeroplano.

De todas maneras no es el primer reloj mecánico de pulsera, porque ya existían relojes de pulsera para mujer en el siglo XIX.

 Reloj Santos de Cartier original de 1912. Museo de la Maison

De sus viajes Louis Cartier (nieto) trajo también la influencia del arte oriental, egipcio y persa, que lo llevó a crear un estilo de colores fuertes y materiales exóticos como el ónice y el coral. Fue el primer joyero en trabajar el platino, que se convirtió no sólo en un hito de Louis Cartier, sino del estilo Art-Déco, del cual fue pionero. También fue el inventor del corte baguette para los diamantes. Jacques residió en Londres, donde engastó en sus diseños las joyas de los maharajás de la India y los jeques de Arabia.

La Pantera de Cartier es un símbolo e icono que define a la marca, supone su identidad. Fue el artista George Barbier quien creó el cuadro Mujer con pantera con el que el fundador Louis Cartier quedó impresionado. Fue tanta la repercusión de la obra en el joyero que decidió utilizarla como portada para la invitación de la presentación de la nueva colección "perlas y joyas de la antigua decadencia" (1914). El haberla empleado en la invitación creó una gran impresión, y la pantera se convirtió en un emblema de la marca que hoy en día se mantiene.

6 - Coco Chanel. 

Francia (1883-1971) Gabrielle Chanel, conocida artísticamente como Coco Chanel fue una diseñadora de alta costura francesa fundadora de la marca Chanel. Es la única diseñadora de moda que figura en la lista de las cien personas más influyentes del siglo XX de la revista Time.

Es una de las diseñadoras más reconocidas de la historia. Destacó por ser y una de las más innovadoras durante la Primera Guerra Mundial. Produjo una ruptura con la opulenta y poco práctica elegancia de la Belle Époque y creó una línea de ropa informal, sencilla y cómoda. Se consolidó también como diseñadora de bolsos, perfumes, sombreros y joyas. Su famoso traje sastre femenino de tweed ribeteado se convirtió en un icono de la elegancia femenina, y su perfume Chanel Nº5 es un icónico producto mundialmente conocido.

Su diseño es paradigma de la mujer liberada de los felices años 20.  Pone de moda el color negro. Creadora del traje sastre femenino, la diseñadora francesa desarrolló una elegancia sencilla a lo largo de su carrera e introdujo las prendas en blanco y negro, los cinturones de cadena, las camisas de cuello y puños blancos, y las joyas de fantasía. En los años de 1920, fue considerada la personificación de la «nueva mujer» independiente, sociable, recreativa e individualista. Dirigió su atención al público joven y rápidamente se convirtió en un ícono del estilo flapper (mujeres jóvenes que usaban faldas cortas, no llevaban corsé, lucían un corte de cabello especial (denominado bob cut) y escuchaban música no convencional para esa época (jazz), la cual también bailaban. Las flappers usaban mucho maquillaje, bebían licores fuertes, fumaban, conducían frecuentemente a altas velocidades y tenían conductas similares a las de un hombre. Estas mujeres significaban un desafío a lo que en aquel tiempo era considerado socialmente correcto).

Tras la guerra, su vínculo amoroso con el oficial nazi Hans Günther von Dincklage y los rumores sobre su colaboración con los servicios de inteligencia alemanes (posteriormente confirmados por Hal Vaughan en 2011) afectaron seriamente a su compañía y su imagen, publicidad que la competencia se encargó de difundir. Sin embargo, no fue culpada como colaboradora y logró reabrir su empresa en 1954, tras lo cual obtuvo un renovado éxito, especialmente en Estados Unidos y el Reino Unido en un primer tiempo, hasta su muerte en 1971.

 

7- Escultura: Pablo Gargallo y Constantin Brancusi.

Pablo Gargallo (Zaragoza 1881-Tarragona 1934). Uno de los escultores españoles más reconocidos de la vanguardia internacional, que combina clasicismo con experimentación. Influenciado por Pablo Picasso y por el escultor cubista Julio González. Conjuga el volumen con los espacios vacíos, con influencia cubista y gran energía expresionista. Usa placas planas de metal, papel y cartón, aunque también usó el bronce y el mármol.

Su obra más conocida el "El profeta" (1933). La hizo en yeso, aunque fue fundida en bronce en 1936, dos años después de su muerte. Existen 7 copias, y la podemos ver en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, y en el Museo Gargallo de Zaragoza. Representa presumiblemente a Juan Bautista, y podemos identificar dos atributos de este profeta, primo de Jesús: su cayado, y la piel de camello con la que se cubría. Se presenta en actitud de gritar mientras predica. Juega con los espacios vacíos, y con el juego de volúmenes concavos-convexos. Su influencia cubista lleva a la pérdida de iconicidad, aunque no deja de ser una obra figurativa.

 

Otras obras conocidas son sus tres piezas inspiradas en Greta Garbo.

Máscara de Greta Garbo con mechón (1930).      EL Profeta (1933).      Torso de mujer (1915).               David (1934).

Brancussi (Rumanía 1876 - París 1957). Escultura que evoluciona de lo geométrico a la abstracción. Simplificación de la forma inspirada en el arte prehistórico africano yprehistórico. Trabaja el mármol, piedra caliza, bronce y madera. Predomina en sus obras dos formas simples: el huevo y el cilindro alargado. Algunas de sus obras son: Madre durmiente (1906-10), El beso (1908), La sabiduría (1909), Prometeo (!911), EL comienzo del mundo (1924), El pájaro (1924-49), La Columna del infinito (1933), El espíritu de Buda (1933), la gallina (1941) y la serie de esculturas en metal llamadas Pájaros en el espacio.

El beso (1908)                 La sabiduría de la tierra (1909)        Madre durmiente (1906-10)

Pájaro en el espacio (1928                Prometeo (1911)