Cuaderno el Neoclasicismo

Cuaderno 13. El Neoclasicismo

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Madame Récamier de Jacques-Louis David, 1800, Museo de Louvre,
The Yorck Project (2002) 10.000 Meisterwerke der Malerei (DVD-ROM), distributed by DIRECTMEDIA Publishing GmbH. ISBN: 3936122202.,
Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=150020

 

Contenido del cuaderno:

1. Contexto social y político del Neoclasicismo.
2. Arquitectura. Congreso de los diputados en Madrid.
3. Escultura. Antonio Canova.
4. Pintura francesa. Jean Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres.
5. Pintura inglesa. Joshua Reynolds.
6. Mobiliario Luis XVI e Imperio.
7. Enma Hamilton y la moda de la época. 

 En este vídeo tienes un resumen de la clase grabada para el curso 2019-2020

 

1. Contexto social y político del Neoclasicismo. (Fuente CREA Andalucía y apuntes del Instituto San Isidro de Madrid)

El siglo XVIII es un momento en la historia lleno de contradicciones. Se suele presentar como la fase final del Barroco—el Rococó—y el desarrollo del Neoclasicismo, que se suele interpretar como un movimiento opuesto al Barroco. Sin embargo, es el siglo en el que aún los reyes franceses e ingleses mantienen su carácter sagrado, pero también es el siglo que verá decapitar al Luis XVI.
La historia del siglo XVIII consta de dos etapas diferenciadas:

• La primera supone una continuidad del Antiguo Régimen (hasta la década de 1770).
• La segunda, de cambios profundos, culmina con la Revolución Estadounidense, la Revolución Francesa y Revolución Industrial en Inglaterra.

Tras la Revolución Francesa, la llegada del general Napoleón Bonaparte al poder supone el inicio de una nueva etapa: el Imperio.

Louis XVI of France, pintado por Duplessis, Versailles, hacia 1774-1776

En España, mientras tanto, los Habsburgo ceden su puesto a los Borbones y prosigue la decadencia, al menos exterior, de España, cada vez menos relevante en el ámbito internacional.

En el siglo XVIII se produce una profunda transformación de la sociedad.

La Ilustración comienza a desarrollarse con toda su fuerza, sobre todo, en Alemania e Italia. Aparece también el Despotismo Ilustrado y lo religioso cede paso a la razón. En lo político se abre paso a la democracia. Por último, el siglo XVIII fue un momento formidable para la ciencia.

Los cambios sociales, políticos y religiosos habían traído una nueva sensibilidad. Se trataba, en definitiva, de volver la vista atrás, como en el Renacimiento, a la Antigüedad Clásica. Se quiere un arte apolíneo y se rechaza todo el exceso. La arquitectura y la escultura (en menor medida la pintura) buscarán retornar a los esquemas clásicos. Aparecen numerosas academias de bellas artes que intentaran estandarizar los gustos. El descubrimiento de Pompeya y Herculano y la expansión de Europa por Oriente pone de moda los rasgos del arte antiguo. Aparece en 1764 la primera Historia del Arte de Winckelmann. Grecia es el  modelo para la escultura y se comienza a despreciar el Barroco. Las reproducciones y grabados de las ruinas romanas y griegas son fundamentales.La expresividad es más contenida y se vuelve al desnudo, al retrato y a las esculturas funerarias.

Pero sobre todo, el triunfo del Neoclasicismo se debe al gran historiador y arqueólogo Winckelmann, considerado el padre de la Historia del Arte. Gran apasionado de la antigüedad, incansable investigador y fiel estudioso de las ruinas de Pompeya y Herculano, publicó su  Historia del Arte de la Antigüedad en 1764, difundiendo su ideal artístico resumido en estas palabras: La única manera de llegar a ser grandes, si es posible, es con la imitación de los griegos. 

POMPEYA | Draw My Life

Características del Neoclasicismo
El neoclasicismo es un movimiento artístico que se desarrolla en Francia durante casi cien años, desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX. Se trata por tanto de una época de grandes cambios que supone el final del Antiguo Régimen y el inicio del Nuevo Régimen Liberal. En este proceso de cambio, el acontecimiento principal es la Revolución Francesa, pues supone un antes y un después en la sociedad francesa y también la realidad política europea.

• Artísticamente, se presenta como un cambio: el Barroco y el Rococó serán duramente criticados y sustituidos por un estilo basado en el redescubrimiento de la Antigüedad Clásica.
• Se presenta como un arte nuevo, sereno y equilibrado, reaccionando al lenguaje decorativo, vacío y reiterativo Rococó.
• Sus postulados son pureza, luminosidad, exactitud, equilibrio y fidelidad a las artes del pasado: el Clasicismo.
• Su ideal será el modelo artístico griego y romano. Llevar lo clásico hasta la admiración y a la imitación.
• Nuevos descubrimientos arqueológicos: Herculano (1738) y Pompeya (1748), ciudades romanas sepultadas por las cenizas del Vesubio en el año 79.
• Nuevas teorías estéticas basadas en la Antigüedad: Winckelmann (Historia del Arte de la Antigüedad, 1775), defensor incondicional del arte griego, sus escritos contribuyeron al desarrollo de la estética neoclásica.
• Es el primer arte no cristiano: sustituye a Dios por el culto a la razón. Su centro es la inteligencia, el testimonio de la luz de la razón. Es por lo tanto, la vertiente artística de la secularización de la cultura (promovida por la Ilustración) y de la Revolución Francesa.

2. Arquitectura. Congreso de los diputados en Madrid.
Características de la arquitectura neoclásica
• Reproduce con mayor o menor fidelidad los monumentos clásicos
• Utiliza los órdenes clásicos, elementos etruscos e incluso egipcios
• Composición clásica del templo romano
• Pilastras adosadas, molduras
• Decoración: guirnaldas, jarrones, roleos, grecas
• Predominio de las líneas rectas

• Estatismo

Andrea Palladio (1508-1580) fue un arquitecto renacentista italiano conocido especialmente por algunas de sus obras como las villas, tratadas como verdaderos templos, aúnan a la perfección arquitectura y paisaje. Precisamente son estos edificios los que más influencia han ejercido en la arquitectura que estamos tratando. Incluso se habla del “palladianismo” como un estilo autónomo que llego hasta finales del siglo XVIII.

En Estados Unidos el Capitolio de Washington se encuentra entre las grandes obras del Neoclásico. Fue terminado en 1800 y diseñado, en primer lugar, por William Thornton, más tarde, participaron en su construcción Benjamin Henry Latrobe, Charles Bulfinch y Thomas U. Walter. Llama especialmente la atención su enorme cúpula y los dos anexos a cada uno de los lados. La Rotonda es el centro del Capitolio y en ella se encuentra una gran colección de arte. Arriba de ella se encuentra la majestuosa cúpula, muy elevada y sobre un doble tambor. En el edificio se puede ver la influencia del Neoclásico europeo como las obras parisinas más arriba comentadas y, por supuesto, edificios de la Antigüedad clásica como el Panteón de Agrippa.

Capitolio de Washington,1800.  Imagen de Noclip en Wikipedia. Licencia, Dominio público.

En España el estilo Neoclásico tiene algo más de resistencia debido al peso que ejerció el Barroco en nuestro país. 
El Palacio de las Cortes es el edificio que alberga el Congreso de los Diputados,  que comenzó a construirse en 1843. El arquitecto de este edificio fue Nicolás Pascual y Colomer quien construyó una fachada con ciertos recuerdos renacentistas y un enorme pórtico corintio con frontón. Este pórtico junto a la escalera de acceso es lo que más llama la atención de este edificio flanqueada por los famosos leones de Ponciano Ponzano.

Palacio del Congreso de los Diputados. Nicolás Pascual y Colomer, Madrid 1843.

De Luis García, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=73304264

Otros edificios neoclásicos de España

• Ventura Rodriguez: Fachada catedral de Pamplona, Iglesia de San Marcos, Real Academia de Bellas Artes, Palacio de Liria, Fuente de la Cibeles en Madrid.
• Francisco Sabatini: Puerta de Alcalá, Palacio de la Aduana, Museo Reina Sofía
• Juan de Villanueva: Museo del Prado, Observatorio astronómico, jardín Botánico.
• Colomer: Congreso de los diputados
• Jareño: Biblioteca nacional-Museo Arqueológico

Puerta de Alcalá, Francisco Sabatini, 1769-1778, Madrid

De Diego Delso, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=63060623

3. Escultura. Antonio Canova, Italia 1757-1822

En escultura Canova ocupa el lugar más importante dentro de este periodo, es en él, donde podemos consolidar lo que comentábamos más arriba: el solapamiento de estilo en este momento.

Antonio Canova era veneciano e  hijo y nieto de canteros; desde muy joven comienza a trabajar con la piedra, de la que llegó a tener un gran dominio. Su evolución fue imparable a lo largo de su vida, hasta conseguir cierta perfección que pone al servicio de su trabajo.

Canova exalta la belleza física y sensual del cuerpo humano, no copia con exactitud los modelos clásicos, si no que le da cierta melancolía a sus personajes. Su interés se orientó a la perfección ideal, no aceptaba la irregularidad o lo defectuoso; buscaba siempre la limpieza y sobriedad. Un ejemplo de ello es Paulina Bonaparte como Venus Virtuosa que según Valeriano Bozal: “la luz que el blanco marmóreo refleja, la luz de sus dioses, héroes y bellas figuras no es suficiente para contrarrestar la sombra de esa sacral atemporalidad laica en que están envueltas.”

 

 

Paulina Bonaparte como diosa Venus,Venus Victrix ("Venus victoriosa").

De Antonio Canova - Trabajo propio, CC BY-SA 4.0, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=70138440

 

Antonio Canova. Las Tres Gracias, 1815-1817

La temática de Canova es variada: desde monumentos funerarios como la tumba para Mª Cristina de Austria (donde aplica los valores estéticos del  momento) a trabajos mitológicos y retratos como el que acabamos de ver. Es cierto que no desarrolló en exceso la temática religiosa católica, a pesar de ser un hombre religioso.

Antonio Cánova. Amor y Psique 1793

Entre sus obras más conocidas se encuentran Amor y Psiquis se abrazan (1787-1793) pues invita al espectador a rodearla para poder contemplarla desde todos los puntos de vista. Lógicamente llama la atención la cruz que forman los dos personajes, cierto erotismo contenido y el punto de vista que centra en los labios de ambas figuras. Las tres gracias es otro ejemplo mitológico y panorámico.

4. Pintura francesa. Jean Louis David, Jean Auguste Dominique Ingres.

Características generales de la pintura neoclásica
• La pintura se inspiró menos en los modelos clásicos porque no quedan restos de pintura de la antigüedad, aunque sí esculturas.
• Predominio del dibujo y la forma, sobre el color.
• La luz clara y fría baña las escenas, casi siempre difusa

• A veces se usaba el claroscuro, con una iluminación intensa de los personajes que interpretaban la escena en el centro del cuadro, dejando en las tinieblas el resto del cuadro.
• Al destacar el dibujo sobre el color, este último era mero coloreado, que informaba sobre el contenido del cuadro, modelando los objetos representados, sin tener valor estético por sí mismo
• La superficie del cuadro aparecía lisa, con una factura impecable en la que difícilmente se apreciaban las pinceladas del autor, lo cual contribuía a establecer la distancia entre el autor y el tema y de éste con el espectador.
• Se cultivó sobre todo el cuadro de historia, reproduciendo los principales hechos de la Revolución francesa y exaltando los mitos clásicos, a los que se identificó con los valores de la Revolución. Los temas representados siempre eran serios y eruditos, con intención moralizante.
• En España también destacó el retrato.

El máximo exponente de la pintura neoclásica en francés es Jacques Louis David (1748-1825)
Fue un pintor francés más importante en el estilo neoclásico. Buscó la inspiración en los modelos escultóricos y mitológicos
• David llegó a ser un activo participante en la Revolución francesa así como amigo de Robespierre; en realidad fue el líder de las artes bajo la República.
• Encarcelado tras la caída de Robespierre del poder, más tarde se alineó con el
advenimiento de otro régimen político, el de Napoleón Bonaparte. Fue en esta época cuando desarrolló su 'Estilo Imperio', notable por el uso de colores cálidos al estilo de los venecianos.
• Tras la caída de Napoleón, terminó sus días en el exilio

Obras: la muerte de Marat, Las sabinas entre sabinos y romanos (1799), Napoleón a Caballo, La muerte de Sócrates, El Juramento de los Horacios, La Coronación de Napoleón 1805.

Jacques Louis David. El Juramento de los Horacios, 1784

Web Gallery of Art:   Imagen  Info about artwork, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=1921851

Jacques-Louis David. Jacques-Louis David 1801

Google Art Project, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38872895

Jean Aguste Ingres (1780-1867) 
Ingres no es, en sentido estricto, neoclásico ni académico, sino un ferviente defensor del dibujo. Resulta a la vez clásico, romántico y realista.
• El Pintor Neoclásico Ingres: realiza varias versiones diferentes del tema la Rafael y la Fornarina 1814...
• El nacimiento del mito de la Relación del Artista con la modelo: objetualización de la mujer en el arte, que surge en Plinio el Viejo que relata en su Historia Natural que con Alejandro Magno que regala su concubina al Pintor
• El baño turco (1862, Louvre), representa un grupo de mujeres desnudas en un harén.
• Su Gran bañista (llamada La bañista de Valpinçon,1808, Louvre), recuerda a los lienzos de David durante la Revolución; ofrece el torso de un desnudo femenino con un gran refinamiento de contornos y de colores, la mujer está iluminada por los reflejos difusos de la toalla y del turbante que limita con líneas arabescas. Esta bañista es la primera de una serie que realizará a lo largo de toda su carrera
• La gran odalisca (1814, Louvre), fue encargada como un medallón para la dormilona de Nápoles (1808, perdido). Representa a la mujer de un harén recostada voluptuosamente en un diván, con una pose que recuerda a Madame Récamier, de David, de la que Ingres pintó los accesorios. Es ejemplo del estilo orientalista de Ingres.
• Edipo y la Esfinge, 1864, 105.5 x 87 cm, Museo Walters
• Ruggiero liberando a Angélica, 1819, 147 x 190 cm, Louvre,
• Retratos destacan por su cuidada representación de los tejidos

La Gran Odalisca 1814, de Jean Auguste Dominique Ingres

Web Gallery of Art:   Imagen  Info about artwork, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=15496838

La bañista de Valpinçon, 1808, Louvre, de Jean Auguste Dominique Ingres

Gallerix.ru, Dominio público, https://commons.wikimedia.org/w/index.php?curid=38286798

5. Pintura inglesa. Joshua Reynolds, Thomas Lawrence, George Romney.
(Fuente: "Fundamentos del Arte I" de Jesús Vicente Patiño Puente).

El siglo XVII en Inglaterra destaca porque es cuando se crea una verdadera escuela nacional de pintura con maestros de envergadura.

Corresponde cronológicamente con la pintura francesa rococó y neoclásica, y a pesar de evidentes influencias, gozan de identidad estilística propia.

5.1. Sir Joshua Reynolds  (1723-1792). Máxima autoridad del academicismo inglés (Royal Academy). Destaca por sus retratos. Dio conferencias recordadas por su sensibilidad y particular percepción. Argumentó que la "invención" es poco más que una nueva combinación de las imágenes depositadas en la memoria.Ffue uno de los fundadores de la Real Academia de Artes en 1768 y su primer presidente, logrando hacer de esta institución privada e independiente el referente del arte inglés. No dudaba en idealizar hasta el extremo sus modelos y en añadir todo tipo de elementos de su invención cuando la composición lo requería.

 Joshua Reynolds, 1771. Mrs. Abington as Miss Prue in "Love for Love" by William Congreve

5.2. Thomas Lawrence (1769­-1830), sucesor de Reynolds, tanto porque fue miembro de la Real Academia y director de esta desde 1820 hasta su muerte, en 1830, como por ser uno de los principales pintores del rey Jorge III y uno de los retratistas académicos más cotizados de Inglaterra. Sin embargo, pese a su ingreso en la Academia, la formación de Lawrence fue autodidacta, y este personalismo lo hizo avanzar hacia el Romanticismo, aunque siempre se mantuvo en una línea academicista. realizó su famoso retrato de Elisabeth Farren con 20 años.

Thomas Lawrence. Retrato de Elizabeth Farren, condesa de Derby (antes de 1791)

5.3. George Romney (1734­1802)se centró en el retrato académico desde un punto de vista personal. De hecho, Romney se negó a ingresar en la Real Academia y, por el contrario, fue miembro de la progresista Royal Society of Arts, de la que eran miembros no solo artistas como Hogarth, sino también políticos como Benjamin Franklin o Adam Smith o escritores como Dickens. Su calidad como retratista era tal que en vida una de sus obras, el Retrato de Lady Anne de la Pole, fue subastada por 40.000 guineas (unos 200.000 €), cifra nunca alcanzada por ningún cuadro hasta entonces.

Georgey Romey 1785. Retrato de lady Anne de la Pole (1758-1832)

Georgey Romey, 1788. Portrait of Robert Abercromby, the British Commander-in-Chief in India.

6. Mobiliario Luis XVI e Imperio.

Neoclásico: Estilo Luis XVI (1774-1792)

Tras el exceso y el gusto por la ornamentación del periodo anterior, el nuevo periodo (1760-1790) destaca por su sencillez y mesura volviendo al rigor de las formas geométricas siendo el rectángulo, el cuadrado y el óvalo las principales.

Sillón Luis VI (Fuente: AD Arquitectural Digest)

• Los muebles se vuelven más austeros, sobrios, estilizados y elegantes.
• Este estilo surge tras las excavaciones de las ciudades romanas Pompeya y Herculano. Por eso puedes relacionar algunas de sus formas y motivos con las proporciones griegas y romanas como las columnas dóricas o máscaras griegas.
• Reaparece la linea recta y vuelve la simetría.
• Motivos grecorromanos, columnas dóricas, delfines, máscaras griegas, hojas de acanto.
• Caoba o ébano con molduras de bronce o latón.
• Simplicidad en la forma.
• Los muebles son de menor tamaño que en el año anterior y más fáciles de transportar.
• La rejilla es uno de los elementos más característicos de este estilo.
• Los colores que hubiese elegido Pantone para los salones de la época serían el rosa, el azul claro, el gris pálido o el marfil.
• El estilo Carlos IV es la versión española del estilo Luis XVI.

Estilo Imperio francés, 1804-1815

• El estilo Imperio es un estilo artístico dentro de la corriente del neoclasicismo que, sucediendo al estilo Directorio, se origina en Francia en el siglo XIX, apareciendo entre 1804 y 1815, y que recibe ese nombre al ser el gusto estético impuesto por el autoerigido emperador Napoleón Bonaparte, como una demostración de su gloria y sus victorias militares.
• Surge a partir del neoclasicismo que se desarrolla en Francia en el siglo XVIII, como una exageración de la tendencia, al hacerse mayor incidencia en la inspiración en el mundo clásico y el oriental de la antigüedad, captando elementos procedentes del arte griego, romano, etrusco y egipcio; propiciado por los numerosos hallazgos arqueológicos de la época, pero que se llevan a una monumentalidad que cree solemnidad en las formas, haciéndose patentes el lujo y el poder.
• Tendrá repercusión en la arquitectura, la pintura, la escultura, en las artes decorativas, tanto en la decoración de interiores como en el diseño de los muebles, en la orfebrería y en la moda.
• Pomposo e incomodo, el estilo imperio fue creado a instancias de Napoleón por los diseñadores franceses Percier y Fontaine.
• Los motivos decorativos más característicos del Imperio fueron por un lado los tomados de las fuentes clásicas, como cabezas de león, cisnes, dioses, esfinges, flores de papiro y loto, liras o palmetas, y por otra los emblemas napoleónicos, como la abeja, el águila, la corona de laurel, la letra N de Napoleón o la victoria alada.
• Sus motivos fueron tomados  de la antigüedad; las fuentes griegas, romanas, etruscas y egipcias proporcionaron temas militares, formas mitológicas y diseños clásicos, tales como el loto, el acanto, la manzanilla y el laurel.
• La madera favorita del estilo imperio es la caoba roja.
• Las moldaduras y apliques de bronce dorado, las placas Wedgwood  los medallones de Sevres fueron los adornos preferidos.

                             Trono de Napoléon en el Senado

7. Ema Hamilton y la moda de la época.

 Georgey Romey 1785. Retrato e Emma Hamilton

Emma Hamilton (1765-1815) nació en una familia humilde como Emma Lyon. Un miembro de la pequeña nobleza británica la tomó a su servicio cuando tenía 15 años y la convirtió en su amante, dejándola embarazada. El noble la acomodó en Londres y allí conoció a miembros influyentes de la aristocracia y de la cultura, entre ellos al pintor George Romey, que se obsesionó con su belleza y la hizo su musa y modelo con más de 60 retratos.

Viajó a Italia, y fue amante de el embajador inglés en Nápoles Sir William Hamilton, de quien tomó el apellido. Se hizo famosa en Italia por sus performances, que ella llamaba attitudes. Esto consistía en que el público debía adivinar y reconocer sus caracterizaciones mediante disfraces y poses. A estas performances asistían aristócratas y artistas comola pintora Marie Louise Élisabeth VigéeLebru, el escultor Bertel Thorvaldsen, o el poeta Goethe. De esta manera Emma Hamilton se convirtió en referente para las damas que querían estar a la moda con el estilo Imperio, trayendo al uso supuestas prendas de la antigua Grecia y Roma, interpretadas de manera fantasiosa y libre.

Llevó sus performances por toda Europa, y uno de sus amantes fue el Almirante Nelson, con quien tuvo una hija que murió prematuramente. Sus últimos días fueron tristes, alcoholizada y superada por las deudas, llegando a pasar por la prisión. Murió en Francia (Calais).

 

La moda neoclásica

En general la vestimenta es más simple que en el Rococó. 

Moda masculina

• Se abandonan las pelucas y se usa una coleta atada con una cinta.
• En Francia se sustituye el tricornio por el bicornio, mientras que en Inglaterra se empieza a usar el sombrero de copa.
• Se usa la chupa bajo la casaca (una especie de chaleco sin mangas).
• Botas altas.
• Culottes: pantalones largos secillos.

Moda mujer femenina

• Se usan tejidos livianos como la seda y el algodón.
• AL final del periodo se usa el vestido imperio: talle alto ceñido bajo el busto y caida tubular hasta los pies, a la manera griega.
• Escote recto.
• Muy del gusto de Josefina Bonaparte, esposa de Napoleón.
• Camafeo en el pecho (pequeño relieve sobre un material noble como piedra preciosa o marfil)- También se usan las diademas sobre la cabeza.
  
• Predominio de vestidos de color blanco.
  
   

  

  Portrait of Caroline Murat and her daughter Letizia, painted in 1807 by Elisabeth Vigée-Lebrun.
  

1802. Francois Gerard. Madame Recamier